Фестиваль «лиТЕрАТуРа»

Городской дурачок Коля так долго искал хоть какого-то диалога с людьми, топчущими одну с ним землю, что в сердцах выпалил магическую фразу «Я уезжаю», и понеслось! Колю сразу же все «полюбили» — за смелость, ум и большой потенциал, который раньше никто в упор не замечал. Ему собрали чемодан, уволили с работы, выписали из квартиры меньше чем за сутки и проводили, можно сказать, в последний путь со слезами то ли радости, то ли горя.

Няганский театр юного зрителя и режиссер Сойжин Жамбалова с помощью пьесы Георгия Николаева словно пытаются найти ответ на вопрос «уехать или остаться?». Если уедешь — тебя ждет неизвестность, которая, однако, полна возможностей. Если останешься — утонешь в родном болоте, зато все понятно и предсказуемо.

Спектакль начинается как яркая, уморительная комедия про лихие, но такие душевные 90-е с журналами мод, хитами «Руки Вверх!» и палёными джинсами. Блестящий актерский ансамбль, который практически всегда присутствует на сцене и разыгрывает для внимательного зрителя мини-сюжеты, с помощью комедии предлагает нам пережить трагедию маленького человека Коли в исполнении актера Ильи Чана. Во время финального монолога, написанного самим артистом-поэтом для спектакля, душа разрывается не только у Коли, но и у зрителя, который, как ему показалось, пришел на комедию про чудака, но пережил с этим чудаком все его взлеты и падения и прощается с Колей как с родным.

Режиссёр Мурат Абулкатинов и совсем молодой московский Театр «а39» нашли в киносценарии Марлена Хуциева и Анатолия Гребнева «Июльский дождь» ряд вечных тем. Как и в советских 60-х, сегодня молодые люди все так же сталкиваются с родительским недопонимаем, нравственным выбором и отсутствием коммуникации (при том, что у каждого по 900 друзей в социальных сетях).

Главная героиня Лена (актриса Серафима Гощанская) мучается от душевного кризиса, живет с мамой (актриса Светлана Иванова-Сергеева), которая не перестает спрашивать ее про замужество и внуков, и встречается с парнем, который ее не понимает, и которого она, если честно, уже не любит (актер Давид Сократян). Чем не история типичного миллениала? Или даже зумера? И единственное спасение, которое находит для себя героиня — это редкие, но бесценные телефонные разговоры со случайным знакомым Женей (актер Владислав Медведев), которые подталкивают зрителя к прекрасной мысли, что любовь — это диалог, и если тебя не слышат, значит, не любят.

Режиссер Олег Липовецкий перенес на сцену театра драмы Кузбасса киносценарий Петра Луцыка и Алексея Саморядова «Дикое поле», рассказывающий о молодом враче, спасающим непутевые жизни людей, брошенных, кажется, всеми, включая Бога. И хотя у словосочетания «дикое поле» есть собственное значение, речь в спектакле идет, в широком смысле, о России и переломном времени в истории страны и душе человека. Сам сценарий написан в начале 1990х, когда излом времен привел к лихолетью, стрельбе по Парламенту и первому Макдональдсу.

Все актеры, занятые в спектакле, сидят на сцене на стульях у задней стены и ждут своего выхода. Между ними и зрителями — «дикое поле» сцены, «черный квадрат Малевича» в белой рамке. Пересекая эту рамку, — то есть совершая обряд перехода — актер становится персонажем спектакля, начинает играть роль. В остальное время он сидит вне «черной дыры», как и любой другой зритель. И кажется, если зритель встанет со своего уютного кресла и пересечет эту белую границу, он тоже станет персонажем, которому нужна не столько медицинская, сколько духовная помощь.

«Дикое поле» — это разговор о Боге, который заповедовал любить грешника пуще святого. И главный герой — врач Митя (актер Антон Остапенко), исполняя свой долг, приближается к Богу, поскольку лечить ему приходится и негодяев, и праведников одинаково, при том, что из лекарств у него только заморское слабительное, годное как для человека, так и для скотины.

17 октября стартовал Второй фестиваль «Литература», организатором и создателем которого является Омский государственный драматический «Пятый театр». Надо заметить, что в этом году фестиваль проходит под знаком синтеза двух искусств – кино и театра, поэтому в этом году театральный форум обрел название«КиноЛитература». Здесь мы знакомимся с постановками, основанные киносценариях (известных и не совсем).

Первым спектаклем, который открыл фестиваль, стала компьютерная драма «ОНА (ОперационНая системА)» Московского государственного академического детского музыкального театра им. Наталии Сац в постановке Георгия Исаакяна. Спектакль был снят по мотивам известного киносценария Спайка Джонса, на который он же сам в 2013 году снял одноименный фильм в главной роли с Хоакином Фениксом и Скарлетт Йоханссон. Этот фильм через год завоевал Оскар в номинации «Лучший оригинальный сценарий».

Спектакль погружает нас в атмосферу «Умного дома», будущего каждого человека, где все можно управлять лишь голосом. С технической стороны (компьютерная графика, видеопроекция, голограммы, беговая дорожка, экраны, робототехника) это один из самых сложных спектаклей. И во всем этом живет главный герой – Теодор, на роль которого специально был приглашен актер Московского драматического театра имени А.С.Пушкина, приглашенный актер многих столичных театров, киноактер Андрей Кузичев.

Спектакль «Она» – это обращение к очень спорной, но важной в жизни каждого современного человека теме компьютерных технологий, а именно – теме искусственного интеллекта. В спектакле два главных героя – Теодор и Саманта, которую исполняет российская актриса театра и кино, заслуженная артистка РФ Анастасия Светлова. Но актриса на сцене не появляется, мы слышим ее голос в наушнике, который каждому зрителю раздают перед входом в зал. Создается интимная атмосфера, местами кажется, что Саманта у тебя в голове. А все потому, что Саманта – это имя операционной системы, это наша «Алиса», с которой мы разговариваем, которая связывает нас с интернетом, помогает нам адаптироваться в компьютере. Сколько раз с появлением интернета мы слышали фразу «болезнь века»? Но болезнь ли? Ведь сегодня в телефоне наша работа, учеба, семья и многое другое.

Данный спектакль и сценарий Спайка Джонса показывает, а что будет, если операционная система станет не просто нашим помощником, а партнером дома, на работе, на отдыхе, на кухне, на прогулке и в постели… Жутко. Особенно неловко становится в момент любовных сцен, или сцен, где мы вместо живого человека видим его голограмму. Искусственный интеллектнезаметно для нас начинает заменять материю, живого человека, которого можно обнять, потрогать, видеть его, наконец. Интеллект обозначает восприятие, причем связано это восприятие с умом. И голос, интонации, паузы, логика Саманты – это все опыт ее создателей, программистов.

В финале случается расставание Саманты и Теодора, который осознает свой проигрыш и потрясение от того, что «Саманта его и не его», ведь одновременно она может общаться с огромным количеством людей. Но как сказал Андрей Кузичев на обсуждении –его герой проиграл уже тогда, когда доверился Саманте, когда понял, что с искусственным интеллектом ему просто очень комфортно.

Третий спектакль, который был представлен на сцене омского «Пятого театра» в рамках фестиваля «Литература», продолжил тему войны и места человека на войне. Это постановка Свердловского государственного академического театра драмы «Летят журавли» режиссера Дмитрия Зимина. Спектакль был поставлен по мотивам пьесы «Вечно живые» Виктора Розова и киносценария легендарного фильма Михаила Калатозова «Летят журавли».

В данной постановке есть принципиальная особенность: центральным героем всей этой истории становится не Борис или Вероника (Белка), а Марк. Это тот самый Марк, который в фильме предстает перед нами не в лучшем свете: он врет, предает, принуждает, не следует каким-либо моральным принципам. Он не умеет сочувствовать и довольно комфортно себя чувствует в вульгарном обществе Монастырской. А в постановке Свердловского театра мы видим центрального героя в прямом смысле этого слова, потому что Марк очень часто будет оказываться в центре сцены и играть на рояле.И другого места для него не отведено, ему очень трудно найти «свое место». В этой истории Марку физически некуда присесть, он ходит вокруг стола, его отовсюду гонят. «Это не твое место», – говорят домочадцы. Марк оказывается брошенным, без вины виноватым во всем, что происходит с семьей Бороздиных и с самой Вероникой.

Постановщики спектаклязадают очень интересный вопрос: «А в чем вина Марка?». В том, что Борис ушел, а он остался, что не знал о спрятанной записке в белочке, что он музыкант, а не хирург (как отец и сестра). Или виноват в том, что просто влюбился. Как он ждет Веронику! Оборачивается на дверной звонок и бежит открывать. Но Марк уже изначально находится в аутсайдерах для всех. Но именно он оказывается самым честным персонажем. Как, собственно, произносятся в финале слова Степана «Мы остались жить во имя созидания!» – честно, дерзко и актуально!

Второй спектакль фестиваля «Литература», который проходит в Омском государственном драматическом «Пятом театре», – постановка Казанского театра юного зрителя «Иваново детство»режиссера Антона Федорова. Спектакль был поставлен по мотивам повести Владимира Богомолова «Иван» и фильмов Андрея Тарковского «Иваново детство» и «Зеркало», которые очень тонко были вплетены в линию повествования спектакля, чувственно раскрывая линию матери и перенося нас в глубокий мир внутренних раздумий и диалогов героев.

Перед самым началом звучит голос самого режиссера, обращающегося к зрителям с просьбой отключить сотовые телефоны. Этот момент очень важен, что именно самрежиссер, творец спектакля говорит нам-зрителям о том, что абсолютно любой телефонный звонок, прозвучавший в зрительном зале, безжалостно может «сломать что-то в спектакле». И потом мы действительно поймем, насколько важна была здесь тишина (хотя весь спектакль сопровождался живой игрой на фортепиано).

Тишина стала звуковым миром спектакля. Она не была оглушительной или мертвой, а наоборот, – магической и сокровенной. Тишина наполнила атмосферу спектакля, задала ей свою особенную интонацию. И режиссер добился этого благодаря тому, что каждый актер говорил сдержанно, спокойно и без надрыва в микрофон (петличку). Поэтому не было пафоса трагичности и, наоборот, громкого звона праздника победы, а было передано внутреннее восприятие войны, эмоциональное состояние героев. Ведь здесь поднимается не просто проблема войны и ее ужасы, а тема ребенка на войне, его осознанное решение быть там, участвовать и мстить.

Ребенок, а тем более мальчик, может играть в войну, солдатики, но никак не стрелять и воевать по-настоящему. А главный герой Иван, которого исполняют Нияз Зиннатуллин (повзрослевший), и гапитно-тростевая кукла (маленький), коллекционирует ножи и жаждет отмщения за свою семью и за незнакомого деда, доказывая свое право на войну. И кажется, что он вот-вот доказал это право: «А ты в Тростенце был?(Тростенец — крупнейший нацистский концлагерь). Это лагерь смерти», – говорит Иван Гальцеву. Но смерть Ивана в финале докажет обратное – места ребенку на войне нет, как и нет на войне места правде и чей-либо правоте…

Месту человека в этом мире был посвящен четвертый спектакль фестиваля «Литература» – «Звездный час по местному времени» (режиссер-постановщик Сойжин Жамалова) Няганского театра юного зрителя по мотивам киносценария Г.Николаева. По этому сценарию в 1990 году был снят комедийно-драматический фильм «Облако-рай» режиссера Николая Досталя.

Буквально за несколько часов до выхода на сцену омского «Пятого театра» артисты Няганского театра узнали, что спектакль, который они сейчас должны представить публике, вошел в лонг-лист театральной премии «Золотая Маска». Поэтому играть на сцене было вдвойне волнительно.

Театр взялся рассказать нам простую, но лишь на первый взгляд, историю о молодом парне Коле, который целый день слоняется без дела и пристает ко всем соседям с вопросом «Будет ли сегодня дождь?». Не найдя собеседников на улице, он заходит к своему другу Феде, встречающий Колю довольно сухо и равнодушно. И тут, желая привлечь внимание, Коля говорит, что якобы собирается уезжать на Дальний Восток. Это его решение находит всеобщую поддержку, Коля становится местным героем, звездой, все соседи участвуют в его сборах и проводах. В одно мгновение путающийся «под ногами» Коля становится проекцией их лучшей жизни, жертвой всеобщего людского водоворота «счастья», ведь они сами точно никуда не уедут.

Театр придумал интересный способ – показать все через призму 90-х, с песнями «Руки Вверх», «Mr.Credo». А лирическим лейтмотивом спектакля стала известная музыкальная композиция «Прекрасное далёко».

С самого начала наше внимание завоевывают музыкальными батлами, переодеванием молодых парней в бабушек, нарочито сделанными комическими (даже шаржевыми) образами. Мы попадаем в некую анекдотичную ситуацию, нелепую, доходящую до абсурда (в сцене, когда начинают разбирать его комнату по частям, – «ведь все-равно уезжает»).

Но уже во второй части спектакля мы понимаем: завоевав наше доверие, теперь с нами хотят поговорить о серьезном. Поэтому меняется костюм главного героя, сценография становится не такой яркой, цвето-световая партитура приобретает мрачные и тусклые оттенки. Меняется интонация – от шума, всеобщего веселья и бесцельной радости мы переходим к очень простому, но важному вопросу Коли, которого исполняет Илья Чан, «А может мне остаться?», на что он получает отрицательный ответ.

Коля отвергнут этим обществом, он не сумел быть рядом с ними, он всегда был только ОКОЛО. Нет там человека, который выслушает или просто поговорит. И его любимая Наташа в исполнении Александры Казанцевой тоже не годится в собеседники (но нет в этом ее вины, ее просто не научили открываться любви и выражать чувства вербально).

Так театр сегодня простым и понятным языком говорит со зрителем об очень важном: о его сущности, экзистенции, о проблеме выбора (уехать или остаться, любить или не любить, говорить или молчать, «быть или не быть…»), о страхах маленького простого человека и о его месте в мироздании.

Спектакль по мотивам романа «Благоволительницы» Джонатана Литтелла в театре на Малой Бронной стал дебютной постановкой молодого режиссера, выпускника ГИТИСа Микиты Ильинчика. Это первая постановка романа в России. 800-страничное произведение режиссер уложил в полтора часа сценического времени.

«Благоволительницы» — роман не только с древнегреческими аллюзиями, он и военная хроника, и энциклопедия генеалогии зла.

Главный герой — эсэсовец Максимилиан Ауэ (Дмитрий Цурский) занимался «окончательным решением еврейского вопроса». Занимался, переживал, сомневался, но делал. Дмитрию Цурскому удалось очень точно передать образ немецкого солдата — строгого, серьезного, с холодным рассудком, который убивал без малейшего коллебания. Однако при всей отрицательной характеристики главного героя, мы понимаем, что внутренняя борьба у него все-таки происходит, при том что, действенно это никак не показано, не выплескивается наружу. Он не фанатик нацизма.

Это история заложника, игрушки в мировом заговоре, человека лишенного выбора, который вынужден стать палачом:«…Этот гражданин одновременно теряет и другое право, столь же естественное и для него, возможно, еще более важное, ибо касается его представлений о себе как о цивилизованном человеке, — право не убивать». Поэтому главного героя становится жалко, ведь он сам жертва обстоятельств, винтик в системе. Война калечит жизни всех причастных к ней людей. Кто-то смог  совершить подвиг, кто-то работал в тылу, кто-то потерял близких людей, кто-то спасал раненых солдат, а кто-то убивал врагов, кто-то пережил концлагерь, а кто-то блокаду, но все эти люди получили психологические травмы на всю оставшуюся жизнь. «Тот ад, наверное, был уникален, и нам его еще долго исследовать, и долго пытаться понять, как наши предки в нем выживали, умирали, совершали подлости и подвиги» — сказал художественный руководитель театра на Малой Бронной К.Ю. Богомолов в беседе с журналистами о спектакле «Благоволительницы».

На сцене рассказывают о всех ужасах и мерзостях войны, про всю гниль и грязь. Но при этом сделано это так аккуратно, что не возникает чувства отвращения, просто осознание, что да, это было. Как сказал режиссер Микита Ильинчик: «Сложная, жуткая, болезненная, травмоопасная реальность, о которой нужно говорить». Действительно, это так. Мы должны знать о том, что было во время войны, и какие последствия она за собой несет, чтобы не допустить этого ужасна снова.

И еще одна важная мысль, которая звучит в спектакле, и о которой стоит задуматься: «Если вы родились в стране или в эпоху, когда никто не только не убивает вашу жену и детей, но и не требует от вас убивать чужих жен и детей, благословите Бога и ступайте с миром».

«Неизлечимая болезнь»

Какие симптомы остаются после солнечного удара? А после внезапной любви? Чем схожи эти две болезни?! Пятый театр ясно дал нам представление того, каким кажется мир после них…

Лёгкая дымка, суета, постоянное движение. Режиссёр Ирина Керученко по максимуму загрузила спектакль действиями! Каждую минуту, проговаривая текст, актёры что-то делали, будь то обычное мытьё рук или приколачивание платья к полу, простой бег или срывание занавесок, зажжение свечи… но это действие. постоянное движение, которое в свою очередь нисколь не мешало понятию текста. Бунин открылся перед зрителем в полной красе.

Кстати, о зрителе. В данной постановке актёры как бы ведут диалог с залом. Постоянное обращение со стороны сцены, выход за рамки сценического пространства, прямой контак со зрителями, даже мостик, который был продлён со сцены в зал и, по которому ходили актёры — способствовали максимально тесному контакту героев со зрителями.

Необычайные эмоции, которые возникли во мне во время просмотра спектакля, останутся со мной навсегда. Я прониклась игрой, прониклась историей, драмой героев. Все эти неловкие паузы, которые нечем заполнить… слова невпопад, которые ты повторяешь просто ради того, чтобы что-то сказать… всё это заставляет тебя вспомнить о своих любовных переживаниях.

Спектакль непредсказуем! С каждой минутой наблюдаешь новые и новые интересные пристройки! И они спектакль не перегружают!

На сцене постоянно находятся два исполнителя, но по их рассказу понятно, что во второй части действия девушка уезжает и герой остаётся один. Но её образ продолжает восприниматься как воспоминание героя, как нежный флейф или галлюцинация… после «солнечного удара». И сколько бы главный герой не обливал себя водой, он не остынет, а образ не исчезнет… два абсолютно точных образа, идеально подобранный актёрский состав. На них хочется смотреть ещё и ещё.

На сцене присутствует вода, огонь, лёгкие ткани, дерево, парапет… и ни одна деталь не утяжеляет спектакль. Здесь уместно всё и все… даже лёгкий юмор героев, которого, возможно, нет в тексте Бунина, не противоречит рассказу.

«Театр одного актёра»

Спектакль «Театральный роман» по одноимённому произведению Булгакова вызвал во мне гамму чувств по отношению к актёру, который всё выступление находился на сцене совершенно один. На протяжении всего спектакля у меня в голове был только один вопрос «как можно так чётко держать внимание публики, когда ты единственный исполнитель каждой из ролей?»

На мой взгляд, это и есть настоящее МАСТЕРСТВО и профессионализм! Один актёр смог сыграть совершенно разные образы, мгновенно меняясь и  воплощая в себе все повадки и темперамент персонажей.

Это тот самый случай, когда артист играл и душой и телом. Даже не играл, а проживал каждую реплику и каждое движение своих персонажей внутри себя, выдавая нам то, что мы видели на сцене.